Une affaire de principe est le second long métrage cinématographique du scénariste et réalisateur Antoine Raimbault. Le film adapte l’ouvrage d’investigation « Hold-up à Bruxelles, les lobbies au cœur de l’Europe » de José Bové et Jean-Marc Desfilhes, publié en 2014. Il est notamment écrit par Raimbault lui-même et Marc Syrigas, précédemment coscénariste du Rien à faire de Marion Vernoux, et se situe dans la carrière de Céleste Brunnquell entre le drame horrifique En attendant la nuit de Céline Rouzet et le biopic Maria de Jessica Palud. Jamais évident de rebondir après un grand premier film, comme cela était le cas de son Une intime conviction. Challenge que Raimbault relève plus qu’honorablement avec ce thriller politico-judiciaire bien bâti, nous entrainant dans les arcanes des institutions européennes bruxelloise. Un second essai qui tient donc joliment la route, privilégiant sans doute l’efficacité, « à l’américaine », à une analyse en profondeur plus satisfaisante sur le long terme, mais qui réussit tout de même son coup. On se prend rapidement au jeu du suspense, sans se sentir perdu au sein d’enjeux forcément un peu complexe pour un néophyte. Et puis rendre cinégénique l’espace de travail des locaux de la communauté européenne de Bruxelles, cela me semble déjà un petit exploit. D’autres avant Raimbault s’y sont en tout cas cassés les dents (je pense en particulier à Sluizer et son soporifique The Commissioner, découvert récemment).

Nightmares est l’une des trois réalisations signées par Joseph Sargent au cours de l’année 1983. Conçue à l’origine pour le petit écran avant d’être retravaillée pour le grand, son contenu ayant été jugé trop « intense » pour la télévision, celle-ci est coécrite par Christopher Crowe, futur scénariste des thrillers The Mean season de Phillip Borsos et Fear de James Foley. Elle se situe dans la carrière sur grand écran de Cristina Raine entre le drame Touched by love de Gus Trikonis et la comédie Real life de Francis Megahy. On est certes loin d’un classique eighties de l’épouvante fantastique avec cette avant-dernière incursion de Sargent du côté du grand écran. Et pourtant, alors que ma précédente révision de ce titre, il y a une bonne vingtaine d’années, m’avait laissé bien plus que sceptique, j’avoue avoir pris cette fois beaucoup de plaisir à ce qui s’avère finalement une modeste mais attachante anthologie horrifique, riche d’un certain savoir-faire old school. Le fait est que l’on ne s’ennuie jamais ici. Les 4 intrigues ont beau se révéler très formatées dans leur contenu, peu subtiles dans leur symbolisme, leurs systématiques petites leçons de morale finales, et pas toujours au top dans leurs effets visuels (cf. le dernier segment, avec ses incrustations de rat géant mal fichues), il se dégage malgré tout de chaque sketch un charme naïf tout à fait séduisant, venant régulièrement nous rappeler les racines télévisuelles du projet sans que cela n’en parasite la forme. Nul doute cependant que l’atout principal de l’œuvre tient à la réalisation de Sargent. On y retrouve pleinement cette humble efficacité directement héritée de l’âge d’or de la télévision américaine, de l’époque des Wendkos, Sagal, Grauman et Spielberg débutant, efficacité soucieuse de ne pas gâcher ni la pellicule, ni le temps du spectateur avec des digressions narratives ou formelles inutiles. Soit du travail joliment pensé pour aller à l’essentiel, comme le délaissera progressivement le cinéma horrifique américain des années 80, percuté de plein fouet par des propositions un peu plus hautes en couleurs (celles de Sam Raimi en premier, pour ne pas le nommer). En résumé, un titre indéniablement faiblard au niveau de l’écriture, mais solidement réalisé, distillant une agréable saveur rétro à défaut d’offrir d’authentiques frissons au spectateur. Avec en prime une distribution riche en figures cultes du fantastique de cette période.

La Prisonnière de Bordeaux est le huitième long métrage de la scénariste et réalisatrice française Patricia Mazuy. Le film est coécrit par Mazuy elle-même, en collaboration notamment avec l’acteur, scénariste, romancier, essayiste et youtubeur François Bégaudeau et la cinéaste Emilie Deleuze. Il se situe dans la carrière de Hafsia Herzi entre le drame Les Gens d’à côté d’André Téchiné et la mini-série policière Cimetière indien, réalisé par Farid Bentoumi et Stéphane Demoustier. Film d’actrices avant tout, que cette Prisonnière de Bordeaux, qui nous régale du jeu de haut vol de ses deux formidables interprètes principales. Leur réunion fait en effet tout le sel de ce petit film jamais ennuyeux à défaut d’être passionnant, qui a peut-être pour défaut essentiel de ne jamais franchement se positionner entre le drame social réaliste au féminin et quelque chose de plus fantasque, plus décalé, flirtant avec le genre policier. On se satisfera donc, en premier lieu, des savoureuses compositions d’Huppert et Herzi ici. Des prestations suffisamment riches, contrastées et complémentaires pour conférer, in fine, à cette Prisonnière de Bordeaux aux intentions un peu floues un joli brin de caractère. Par ailleurs, pouce également levé pour la très agréable partition musicale d’Amin Bouhafa, seyant parfaitement au film.

Otley est le premier des 6 longs métrages cinématographiques signés à ce jour par le scénariste britannique Dick Clement. Le film adapte le roman homonyme de Martin Waddell, publié en 1966. Il est écrit par Clement lui-même et son habituel partenaire d’écriture, Ian La Frenais, et se situe dans la carrière de Romy Schneider entre le suspense romantique La Piscine de Jacques Deray et le drame de Claude Sautet, Les Choses de la vie. Comédie d’espionnage s’amusant davantage des adaptations de John Le carré et autres représentants sérieux du genre que de James Bond et consort, Otley n’aura finalement, comme les essais suivants de Clement, que peu marqué les esprits en dépit de sa plutôt séduisante affiche. Tom Courtenay y incarne une sympathique glandeur pique assiette, sorte de version Swinging London du David Thewlis de Naked, se retrouvant au cœur d’une affaire volontairement embrouillée de taupe et triples agents. A cet égard, l’interprétation demeure le point fort de ce titre qui, sans être mémorable, m’a tout de même paru un brin plus piquant et tenu que le subséquent et par trop foutraque Catch me a spy du même Dick Clement. Et cela même si Romy, ravissante, n’a en revanche pas grand-chose à faire ici, en agente des services secrets britanniques. Bref, pas déplaisant, agréablement ancré dans son époque mais clairement anecdotique.

Présenté à Cannes en 2017 dans la section Un certain regard, L’atelier est l’avant-dernier des 9 longs métrages signés par le scénariste et réalisateur Laurent Cantet entre 1997 et 2021. Il est écrit par Cantet lui-même et Robin Campillo, collaborateur de longue date du cinéaste. Le film se situe dans la carrière de Marina Foïs entre la comédie Papa ou maman 2 de Martin Bourboulon et la mini-série Manon 20 ans, réalisée par Jean-Xavier de Lestrade. Et une belle réussite de plus pour Cantet, posant une nouvelle fois un regard à la fois bienveillant et d’une grande acuité sur le monde d’aujourd’hui. Avec ici, en embuscade, derrière les passionnants échanges de ce portrait de groupe, le spectre de l’inexorable montée des idéologies extrêmes dans la France du premier quart du vingt-et-unième siècle. L’atelier n’est cependant pas une œuvre se résumant seulement à vision inquiète de l’avenir. C’est fort heureusement un film qui, comme précédemment Entre les murs et Retour à Ithaque, lutte et également et milite en premier lieu pour le dialogue - ici intergénérationnel. Un film qui, avant tout, cherche à comprendre l’autre, invitant le spectateur à une réflexion ouverte. Au risque d’ailleurs de parfois le dérouter quelque peu. Bref, un cinéma d’une intelligence et générosité bien trop rares, poussant à la réflexion sans enfermer son sujet dans un discours binaire, osant les contradictions, les zones d’ombre et l’absence frustrante de réponse. Et qui vient nous rappeler combien Cantet fut et reste un cinéaste précieux dans le paysage cinématographique français de ces dernières décennies.

The Assassination of Trotsky est le vingt-troisième long métrage cinématographique de l’américain Joseph Losey. Le film marque la cinquième et dernière réunion à l’écran des acteurs Alain Delon et Romy Schneider (si l’on inclut ici le Plein soleil de René Clément et L’amour à la mer de Guy Gilles). Il se situe dans la carrière de Richard Burton entre le drame Under milk wood d’Andrew Sinclair et la comédie Hammersmith is out de et avec Peter Ustinov. Pas convaincu par cette production de Laurentiis franco-italo-britannique à la prestigieuse affiche dont j’ai longtemps repoussé la découverte, comme si je sentais que cela n’allait pas bien se passer. Et c’est donc bien ce qui s’est produit. Loin du « blockbuster » historique à grande échelle, mêlant suspense et politique, pour lequel Burton pensait initialement avoir signé, The Assassination of Trotsky est un film passablement statique, dramatiquement inerte, à l’écriture pesante (par l’auteur / scénariste de l’abscons Impossible objet de John Frankenheimer - j’ai pris peur dès que j’ai vu ça) et l’interprétation guère plus enthousiasmante. Maniérée, globalement foireuse, je sauve tout de même de celle-ci les quelques apparitions de Romy, toujours à fond. Et même si, au bout d’une heure, l’ensemble s’anime un brin, l'étau se resserrant alors autour de son personnage-titre, il n’en devient pas beaucoup plus palpitant pour autant. Bref, me concernant, du Losey pénible, certes pas inintéressant, mais face auquel il faut tout de même s’armer d’un certain courage pour tenir sans somnoler, et que je rangerais volontiers aux côtés de Boom et La Truite.

Third degree burn est le huitième long métrage du monteur, réalisateur, producteur et plus sporadiquement scénariste canadien Roger Spottiswoode. Cette production HBO Pictures est écrite par Yale Udoff, scénariste du Bad Timing de Roeg, et Duncan Gibbins, futur réalisateur d’Eve of destruction (décédé tragiquement dans les incendies de Los Angeles de 1993, en tentant de sauver son chat des flammes). Il se situe dans la carrière de Virginia Madsen entre la comédie hippique Hot to trot de Michael Dinner et le drame Heart of Dixie de Martin Davidson. Pur film noir tel que revisité par le cinéma américain des années 80, à partir du Body heat de Lawrence Kasdan, Third degree burn ne vise certainement pas à réinventer le genre. Le film de Spottiswoode lui emprunte à l’inverse tous ses codes et stéréotypes, sans rechigner à user de petites facilités sur plusieurs de ses rebondissements. On pourrait donc légitimement s’agacer d’un tel manque d’inventivité de la part de ce titre. Sauf que Third degree burn possède au moins le mérite de jouer la partie cartes sur table. Et que, niveau atmosphère, on est en plutôt gâté. Les beaux yeux de Virginia Madsen, la trombine de loser de Treat Williams, du saxo plein l’enrobage musical (signé du talentueux Charles Gross, dont je viens seulement d’apprendre la disparition, en mars dernier), de la Ford LT Crown Victoria rutilante, une belle scène de danse séduction dans un bouge du fin fond de l’Arizona : On n’est peut-être pas chez John Dahl mais l’essai de Spottiswoode possède tout de même quelques sérieux atouts pour séduire l’amateur. Et j’avoue que, au final, s’il me fallait retenir seulement 4 ou 5 titres de l’éclectique filmographie de Spottiswoode, ce Third degree burn en ferait définitivement parti.

Originellement diffusé sur la chaîne NBC le 30 janvier 1973, Baffled! est l’un des 4 longs métrages réalisé par le britannique Philip Leacock pour le petit écran américain au cours de l’année précédente. Tourné en Grande Bretagne et produit par Leacock lui-même, il est écrit par Theodore Apstein, scénariste du What ever happened to aunt Alice ? de Lee H. Katzin et Blood link d’Alberto De Martino. Téléfilm conçu comme le pilote d’une possible série télé, Baffled! n’en aura jamais rempli cet objectif. Et je ne vois guère matière à s’en émouvoir au regard du résultat proposé. Non pas que l’ensemble soit foncièrement déplaisant à suivre. Mais disons que l’intérêt de celui-ci réside presque essentiellement dans son involontaire charme kitsch, amusant sur 75 minutes, sans doute rapidement lassant sur un format plus long. A défaut d’impressionner, Baffled! se savoure donc, sourire en coin, pour son contenu fantastique savoureusement rudimentaire, pour ne pas dire ringard, tout en faisant preuve d’une certaine élégance et efficacité dans sa confection. Un travail de qualité, indéniable fruit du savoir-faire de son réalisateur, Philip Leacock, cinéaste anglais ayant curieusement opté pour une seconde carrière du côté du petit écran US, une dizaine d’années avant la plupart de ses compatriotes (poussés quant à eux par la crise du cinéma britannique des années 70). A voir enfin, également, pour y découvrir un Leonard Nimoy tout en décontraction, presque un peu dragueur même, improbable pilote automobile de courses se découvrant voyant.

One spoon of chocolate est le quatrième long métrage cinématographique de l’artiste aux multiples facettes RZA. Coproduit et écrit par RZA lui-même, le film se situe dans la carrière de son interprète principal, Shameik Moore, entre la comédie The Gutter de Isaiah et Yassir Lester et sa participation à la cinquième saison de la série Power Book III : Raising Kanan. A défaut d’être un touche-à-tout de génie, RZA aura eu la bonne idée, côté cinéma, de côtoyer quelques valeurs relativement sûres en ce domaine, tels que Jim Jarmusch, Ridley Scott, Judd Apatow ou encore Quentin Tarantino (ici producteur exécutif d’ailleurs). Des fréquentations sans aucun doute enrichissantes, dont l’impact se fait positivement ressentir sur ses propres réalisations, non dépourvues d’ambition et plutôt tenues, clairement tournées vers des méthodes de narration ayant fait leurs preuves dans les années 60 / 70, à l’image du cinéma de son camarade Tarantino. Le problème- car problème il y a - sur ce One spoon of chocolate vient donc davantage de l’écriture. RZA s’y montre là encore plus ambitieux que la moyenne. Le film a clairement des choses à dire sur la dérive extrême-droitière de l’Amérique contemporaine. On n’est pas seulement là pour s’amuser, comme chez Robert Rodriguez, pour rester dans l’univers tarantinien. Malheureusement le film n’arrive jamais vraiment à trouver le juste équilibre entre le discours et l’action, brouillant de surcroit un peu plus les cartes avec son carton introductif nous indiquant que ce que l’on va voir est inspiré d’une histoire vraie. Annonce que le spectaculaire carnage final, opéré par le personnage principal, ne manque pas de questionner davantage. Au final, un film bancal mais plutôt attachant au fond, qui semble un peu se perdre dans ce qu’il entend raconter / dénoncer, mais dont l’aspect boiteux participe également, pour une part non négligeable, au charme.

16 ans est à ce jour le dixième long métrage de l’également scénariste et l’ancien ingénieur du son Philippe Lioret. Le film est écrit par Lioret lui-même, en collaboration avec Xabi Molia, précédemment scénariste et réalisateur du drame Comme des rois avec Kad Merad. Il se situe dans la carrière de Teïlo Azaïs entre la comédie C’est quoi ce papy ? de Gabriel Julien-Laferrière et le drame romantique La Vie devant toi, réalisé pour le petit écran par Sandrine Veysset. Et encore une très belle réussite de la part de Lioret, cinéaste me faisant quelque part penser au grand Claude Sautet, dans le classicisme avec un grand C de ses travaux, synonyme ici de rigueur, humanité et générosité. Version moderne de Romeo et Juliette, 16 ans avait ainsi pour tomber dans les clichés du film de banlieue à message bien gênant, fait par quelqu’un qui n’y vit pas. Piège que déjoue brillamment ce titre, par le biais d’une approche à la fois nuancée - pas vraiment de gentils affrontant des méchants ici - et d’une implacable précision dans sa mécanique scénaristique, comme d’une direction d’acteur impeccable, génératrice de prestation d’une grande justesse. Sans forcer le trait, en montrant simplement des personnages entrainés dans une situation dérapant inexorablement, Lioret livre avec ce 16 ans un mélodrame sociétal intense, ajoutant ainsi une réussite de plus à une filmographie d’une cohérence, ambition et tenue qualitative plus que satisfaisante à ce jour.

Lightning field est l’un des 2 longs métrages signés pour le petit écran par Michael Switzer sur l’année 1992. Initialement diffusé le 11 septembre 1991 sur la chaîne câblée USA Network, il est écrit par Michael J. Murray, précédemment scénariste des films d’épouvante The House of Usher et The Masque of the red death, tous 2 signés Alan Birkinshaw et se situe dans la carrière d’Elpidia Carrillo entre le drame Ciudad de ciegos d’Alberto Cortés et la chronique de guerre Pumaens datter de Asa Faringer et Ulf Hultberg. Production télé horrifique typée film de malédiction, Lightning field carbure à l’attendu dans sa trame comme dans sa confection. On ne peut donc pas dire que la barre du trouillomètre franchisse des niveaux très élevés tout au long de ce récit par trop encombré de clichés, tout juste sauvé de l’anonymat complet par la noirceur de quelques péripéties, un brin plus poussée qu’attendue de la part d’une œuvre télévisuelle standard comme celle-ci. Rien de mémorable donc, à signaler, au menu de ce tout juste acceptable Lightning field, écrit et réalisé après professionnalisme, mais sans flair pour le genre fantastique, sans idée intéressante ou amusante, sans prestation marquante à l’écran, même si cela fait toujours plaisir de retrouver la belle Elpidia Carrillo à l’écran. Disons qu’on ne s’y ennuie pas, que son esthétique début nineties pourra peut-être séduire quelques spectateurs nostalgiques (comme moi) mais qu’il y de fortes chances pour que l’on oublie toute cette affaire très rapidement avec sa découverte.

Anno Uno est l’avant-dernière réalisation cinématographique du scénariste, producteur et réalisateur italien Roberto Rossellini. Le film est coécrit par Rossellini lui-même en collaboration avec Luciano Scaffa et Marcella Mariani, scénaristes ayant précédemment accompagné le cinéaste sur la plupart de ses travaux télévisuels du tournant des années 70. Il se situe dans la carrière de son interprète principal, Luigi Vannucchi, entre le drame historique The Assassination of Trotsky de Joseph Losey et la comédie de Jean-Paul Rappeneau, Le Sauvage. Biopic politico-historique à travers lequel Rossellini nous raconte 40 ans d’Histoire immédiate de son pays, Anno Uno n’est point une œuvre d’accès facile. Le réalisateur y applique la même rigueur monacale qu’à ses travaux pour le petit écran du début des années 70, consacrés à des figures historiques un peu plus établies que celle de De Gasperi. Le film réclame ainsi un minimum de savoir sur l’Histoire de l’Italie du siècle dernier, de même qu’une attention soutenue du spectateur, chaque séquence étant riche d’informations importantes, le réservant d’emblée à une audience exigeante et quelque peu limitée. Cette réserve émise, nulle doute que la démarche de Rossellini, totalement dans la continuité intellectuelle et artistique de ses travaux néo-réalistes d’après-guerre, mérite que l’on s’y arrête, à la fois dans sa singularité comme son intégrité. Dit autrement, Anno uno n’est probablement pas le film le plus divertissant de son auteur, comme du cinéma italien engagé de cette période. Mais il en représente une facette « dégraissée »passionnante, témoignant dans la foulée de la courageuse fidélité de son auteur à l’un des mouvements cinématographiques majeurs de vingtième siècle. Bref, instructif et, à sa façon, presque émouvant, mais clairement pas tout public.

Filmé dans l’état du Nouveau-Mexique, Protector est le quatrième long métrage cinématographique d’Adrian Grünberg. Le film est écrit et coproduit par le novice en ce domaine, Bong-Seob Mun. Il se situe dans la carrière de Milla Jovovich entre le film fantastique In the lost lands de Paul W.S. Anderson et le suspense science-fictionnel Worldbreaker de Brad Anderson. Ce qui m'a intéressé dans ce Protector, ce n'est évidemment son pitch, ni Milla Jovovich, que je n’avais pas revu depuis l’exécrable post-apocalyptique Future world de James Franco, mais la présence derrière la caméra d’Adrian Grünberg, dont j’avais bien apprécié le Get the gringo, il y a quelques années, et pas détesté le Rambo: Last blood. Le gars ne réinvente peut-être pas la roue mais prouve une fois encore qu’il sait mettre en scène de belles pièces d’action qui défouraillent et font même un peu mal par moment. Du coup, j’avoue ne pas m’être ennuyé du tout à la découverte de ce titre, mené tambour battant par Grünberg et une Milla Jovovich littéralement enragée. Après, soyons honnêtes, difficile tout de même d’oublier la bêtise de cette intrigue aux enjeux et personnages rudimentaires, tentant sans grand succès, dans sa dernière ligne droite, d’injecter un peu de sang neuf à un concept usé jusqu’à la corde. A noter également un agréable petit côté revival eighties au niveau des seconds rôles, avec les présences de Matthew Modine, D.B.Sweeney et Don Harvey.

Trente-quatrième long métrage cinématographique du canadien Sidney J. Furie, My 5 wives est coécrit par Harry Basil, futur réalisateur de la comédie sportive Cloud 9 avec Burt Reynolds et Paul Rodriguez. Il se situe dans la carrière de Rodney Dangerfield entre la parodie mafieuse The Godson de Bob Hoge et la comédie fantastique Little Nicky de Steven Brill. My 5 wives marque la seconde et dernière association entre Furie et Dangerfield. Si la première, Ladybugs, était un divertissement encore assez fréquentable, avec ce My 5 wives, on commence à vraiment racler le fond qualitatif de comédie américaine. Autrefois technicien habile à défaut de cinéaste à la personnalité affirmée, Furie avait déjà traversé les années 90 non sans difficulté. Mais là, avec cette réalisation bâclée, toute moche, le renoncement assumé (ou la grosse fatigue) ne semble plus très loin. Une impression que ne feront d’ailleurs que confirmer ses travaux des années 2000 et 2010 (m’en reste toutefois encore 3 ou 4 à voir sur cette période). De son côté, Dangerfield, à la fois coproducteur et coscénariste, traverse nonchalamment le film en enquillant les vannes à caractère sexuel, dont une bonne moitié sur ses performances au lit et la taille de son pénis. Ne lui manque qu’un micro dans la main. Quant à la vision offerte par les auteurs sur l’émancipation de la femme - passant ici de bigote ignorante et dévouée à bimbo - comme sur le mouvement féministe en général, incarné par la folle furieuse Molly Shannon, disons qu’elle ne manquera pas de diviser le (courageux) spectateur contemporain.